MADONNA – EROTICA

Madonna en su eterna reinvención publicó en 1992, uno de sus álbumes más criticados durante su carrera, puesto que la temática principal, es la sexualidad en sus diferentes facetas, en su momento vendió millones de copias, pero insuficientes para el peso de Madonna y fue duramente cuestionada, pero con el paso del tiempo, se ha mantenido vigente para las nuevas generaciones.

Después del éxito del también polémico sencillo “Justify My Love” de 1990, Madonna siguió esa línea controvertida ya que al mismo tiempo de la salida de Erotica, salió a la venta su libro “Sex”, lo cual para bien o para mal, durante la era del disco de Erotica, Madonna fue censurada ya sea por MTV, por las radios internacionales e incluso por la TV en general.

El disco genero varios sencillos como “Erotica”, con un video muy controvertido hecho en blanco y negro y sepia, mostrando imágenes lésbicas, homosexuales y de sadomasoquismo, incluso la canción es muy diferente a lo que venía haciendo Madonna, porque la mayor parte de la canción es recitada y no tiene un fácil tarareo pop; “Rain”, es una de las mejores canciones y baladas que haya producido la artista, el excelente video fue dirigido por Mark Romanek, “Fever” y “Deeper and Deeper”, perfectas para las pistas de baile, incluso esta última es una de las preferidas por los fans y el primero el video lo dirigió Stephane Sednaoui y “Bad Girl”, video polémico e incluso censurado por la letra de la canción y por las imágenes mostradas en el video dirigido por David Fincher.

Erotica, es uno de los discos más propositivos dentro de la larga trayectoria de Madonna, incluye diferentes sonidos, tal vez hasta experimentales, combinados con el toque pop y dance como solo Madonna sabe hacerlo; también se le puede considerar una pieza fundamental dentro del pop, ya que marcó una pauta a seguir para varias cantantes femeninas que han recibido su influencia, al saber conjugar la sensualidad y la sexualidad con tintes pop, llevados a las grandes masas y muy a pesar de las duras críticas recibidas es sin duda uno de los mejores álbumes de Madonna.

THE SMASHING PUMPKINS – SIAMESE DREAM

Después del relativo éxito de su álbum debut Gish de 1991, The Smashing Pumpkins tomó por asalto al mainstream y calló la boca de todos sus detractores quienes los habían catalogado como simples imitadores del movimiento grunge de aquellos años, y entregaron uno de los discos de rock contemporáneos mejor logrados de todos los tiempos.

A pesar de todos los problemas que enfrentó la banda durante la grabación del disco, tanto la adicción al alcohol y drogas de parte de Jimmy Chamberlin (batería), como la separación de la pareja James Iha y D’arcy (guitarra y bajo respectivamente), y las depresiones de Billy Corgan (guitarra y voz), se reunieron nuevamente con Butch Vig, quien en su historial ya tenía en 1993, producciones altamente exitosas como el Nevermind de Nirvana y Dirty de Sonic Youth, e incluso grabó el primer disco de la banda, y realizó uno de los discos más importantes de la década.

Con una influencia muy notoria de Sonic Youth, The Smashing Pumpkins continuó su camino con Siamese Dream, con letras sumamente introspectivas, un sonido fuerte que hace recordar al goth rock o al progresivo, la banda mostró que tenía calidad tanto musical como líricamente hablando, convirtiéndolos en una banda de culto, incluso son de las pocas bandas de hard rock que utilizan instrumentos de cuerda convirtiendo a “Disarm” y “Space Boy” en unas estupendas bellas piezas sinfónicas.

Los sencillos que se desprendieron del álbum, inmediatamente se hicieron himnos de la generación X, “Today”, “Rocket” y “Cherub Rock”, los cuales fueron éxitos rotundos al tener una alta exposición tanto en los canales de videos como en las radios internacionales; canciones como “Quiet” y “Geek U.S.A” tienen capas de guitarras y feed backs, un tanto al estilo de My Bloody Valentine, esto cortesía de Corgan y Butch Vig.

Siamese Dream, hizo que el mundo se fijara en The Smashing Pumpkins, gracias a la innegable calidad de álbum y de la banda, que se alejó de todo tipo de estereotipos haciendo de este álbum uno de los más exitosos, finos y sin duda piedras angulares de la década de los 90’s, siendo toda una inspiración para las generaciones venideras.

STONE TEMPLE PILOTS - CORE

Este el álbum debut de la banda, producido por el legendario Brendan O’Brien, en el cual el sonido de los Stone Temple Pilots, fue duramente criticado, para muchos eran una copia exacta tanto de Pearl Jam como de Alice In Chains, o bien, imitadores del sonido Seattle mejor conocido como grunge, ya que supuestamente encajaba dentro de los términos de tantas bandas que surgían a principios de los noventa, que intentaban generar dinero a través de imitaciones de los grupos “grunge”. Para bien o para mal, STP, logro quitarse ese estigma ya que su música y letras se defendieron por si solas, mostrando al mundo que eran una gran banda logrando éxitos como “Plush” o “Creep”.

Core es un disco de rock duro, muy bien logrado, llevadolo a grandes momentos como en “Wicked Garden” o “Dead And Bloated”; sus liricas son un tanto difíciles y un poco cargadas sexualmente hablando como “Crackerman” o “Sex Type Thing” esta ultima siendo acusada por sus detractores como misóginas, pero a pesar de eso, lo que más destaca es la voz de Scott Weiland, que ocupa un amplia gama de tonalidades, ya que pasa desde lo más rasposo y duro, hasta lo más suave, sin perder nunca el toque y dándole estilo y personalidad a la banda.

STP con el pasar de los años, logro un importante reconocimiento durante esta década, y Core es ahora recordado como un gran debut para una de las bandas más importantes dentro de los años noventa, marcando el resto de la carrera de STP, y con un sonido tan agresivo que jamás volverían a encontrar en producciones futuras, además de ser una fuente importante de inspiración para las siguientes generaciones.

GARBAGE – VERSION 2.0

Esta es la continuación del exitoso álbum debut homónimo de Garbage, producción de 1998, la cual a diferencia de su predecesor se enfoca mas a un sonido techno, pop electrónico sin abandonar las raíces rockeras de los miembros de la banda.

Version 2.0 tiene un mayor cuidado de estudio, puesto que, cada detalle esta finamente compuesto, incluso la voz de Shirley Manson se escucha muy diferente tiene mas tintes poperos sin perder la fuerza que la caracteriza, también la imagen de la líder es mucho mas fresca y revitalizante, haciendo de lado el estilo dark, grunge que a principio de su carrera la caracterizaba.

Aquí se encuentran grandes canciones, ahora ya clásicas de la década de los 90, como: "I Think I’m Paranoid", "Special" y "When I Grow Up", los momentos clave para la progresión y desarrollo tanto del disco como en la carrera de Garbage se encuentran marcadas en canciones como "Hammering In My Head" y "You Look So Fine", porque exploran diferentes sonidos y texturas, coqueteando con diversas corrientes y géneros musicales.

Garbage nos entrega un material muy accesible, fácil para cualquier tipo de audiencia, además que con el se dieron a conocer en todo el mundo y poniéndolos en aquellos años en una banda a seguir por la calidad de música y por la imagen que mostraban que a pesar de los años que tenían cada uno de los integrantes se podía identificar su letra con las nuevas generaciones, sin duda un álbum digno de escuchar.

RADIOHEAD – THE BENDS

Después de Pablo Honey y su famoso sencillo “Creep”, Radiohead estaba condenado a ser un grupo One Hit Wonder, pero gracias a la calidad de los integrantes y a la lirica y pasión de su vocalista Thom Yorke, la banda pudo avanzar y entregar un sonido totalmente diferente a su debut, de mayor complejidad y mostrando lo que vendría a ser en un futuro Radiohead.

The Bends, es una obra épica del rock contemporáneo y surgió en medio de la explosión del Britpop y de bandas como Oasis, Blur, Pulp, Supergrass, etc., pero a excepción de este movimiento, Radiohead siguió fiel a sus influencias americanas, puesto que el álbum esta repleto de capas de sonidos, guitarras distorsionadas y ruido, cuyo estilo jamás seria idéntico en ninguno de sus álbumes posteriores, además crea un ambiente melancólico gracias a la estupenda voz de Yorke, manteniendo un toque pop y accesible sin perder el sonido estridente.

El álbum esta plagado de himnos como “High and Dry”, “Fake Plastic Trees”, “Just”, “My Iron Lung”, “Street Spirit (Fade Out)”, entre otras tantas magnificas canciones como la apertura “Planet Telex” o la hermosa “Black Star”.

Gracias a The Bends, Radiohead comenzó a grabar su nombre en letras de oro dentro del mundo del rock, es una excelente transición de su álbum debut a lo que vendría después, y este es un disco que con cada escucha, suena mejor, se le encuentran mayores detalles y se aprecia mucho mejor.

DEPECHE MODE – SONGS OF FAITH AND DEVOTION

Para lograr este álbum, Depeche Mode se encontró en medio de un torbellino de incertidumbres, ya que fue la etapa mas difícil del grupo, puesto que Dave Gahan se había ido a vivir a Estados Unidos y lo hacia como todo un “rockstar”, envuelto en problemas de drogas, además de ser influenciado por el estilo del sonido grunge; Martin Gore se desentendía cada vez mas del grupo, enfocándose en sus proyectos solistas; Andrew Fletcher y Alan Wilder tenían conflictos entre sí, siendo este ultimo, quien cargo todo el peso de aquellos problemas y posteriormente renunciaría a la banda, y por si todo esto fuera poco, tenían los focos, la atención y la presión de superar su exitoso álbum Violator, pero Depeche Mode consiguió reflejar todo esto en uno de sus mejores trabajos.

Songs Of Faith And Devotion, marca un cambio radical en el sonido del grupo, se incluyen guitarras fuertes y estridentes como en “I Feel You”, además de involucrarse mas en el rock, esto debido a que en aquellos días, el sonido americano del grunge dominaba la escena musical, también las letras son muy introspectivas “Walking In My Shoes”, “In Your Room” son ejemplos claros; un tema muy dominante en este material es el religioso “Judas” y “Condemnation”, este ultimo incluso se ayuda de coros góspel, haciéndolo un tema sumamente acústico y dejando en segundo termino a la electrónica.

En ese momento, Depeche Mode adquirió una imagen y sonidos totalmente obscuros, haciéndonos olvidar por completo su imagen suave y pop de sus inicios en la década de los 80’s, y que en su ultimo álbum Violator de 1990, ya comenzaba a cambiar gracias al gran Anton Corbijn.

Songs Of Faith And Devotion, es uno de los álbumes indispensables de DM, salió en el momento oportuno para que la generación X, adoptara a una banda que siendo electrónica, se pudiera identificar con el sentir de la juventud de los 90’s y le dio larga vida a una banda legendaria.

THE CHEMICAL BROTHERS – SURRENDER

Después de sorprender al mundo y cambiar el rumbo de la música electrónica con sus dos primeras producciones Exit Planet Dust (1995) y Dig Your Own Hole (1997), el dúo ingles lanzo en 1999, su tercer álbum Surrender, el cual a diferencia de sus antecesores, estuvo mas orientado al house, y marca el cambio en el sonido de los ingleses.

El disco comienza con la frenética “Music: Response” y termina con un ritmo aletargado pero sin decaer en la calidad como lo es “Dream On”, perfecta para cerrar un álbum increíble, también aquí se encuentra uno de los mas grandes himnos de las pistas de baile como lo es la inconfundible “Hey Boy Hey Girl”.

Además Surrender cuenta con colaboraciones sorprendentes como ya es una costumbre en los materiales de The Chemical Brothers, esta Hope Sandoval de Mazzy Star con la hipnótica “Asleep From Day”, Noel Gallagher de Oasis una vez mas pone su voz en tal vez, la canción mas rockera del dúo “Let Forever Be”, que se distingue por tener la base de “Tomorrow Never Knows” de The Beatles, y por si faltara poco Bernard Sumner de New Order y Bobby Gillespie de Primal Scream logran una de las mejores canciones en la escena electrónica, la fabulosa “Out Of Control”.

The Chemical Brothers fieles a su estilo, aparte de hacer estupenda música, uno de sus principales sellos es la elaboración de videos musicales tan únicos y propositivos como el que realizaron con Michel Gondry de la mencionada “Let Forever Be”, así como de todos los sencillos de Surrender.

Este es un gran álbum que marco la dirección a seguir por parte The Chemical Brothers en la siguiente década, y es una excelente producción para el dúo que cambio al rock y a la electrónica para siempre.

OASIS – DEFINITELY MAYBE

Con su álbum debut de 1994, Oasis se convirtió en todo un fenómeno y gracias al éxito obtenido con Definitely Maybe, se hicieron voceros de toda una generación, puesto que eran representantes de la clase obrera con grandes aspiraciones, además que su sonido englobo momentos gloriosos de la música inglesa, tomando el punk y el ruido de Sex Pistols, la arrogancia de The Stone Roses y las letras tan maravillosamente escritas como The Beatles.

Definitely Maybe se hizo un clásico instantáneo con canciones atemporales como la estruendosa “Rock ‘N’ Star”, “Shakermaker”, “Live Forever”, sin dejar de mencionar “Cigarrettes & Alcohol”, que son himnos de aquella juventud noventera, incluso este álbum pareciera un grandes hits, por la calidad tan enorme que tiene en cada uno de los temas.

Al frente de la banda, se encontraban los siempre pedantes pero geniales hermanos Gallagher, quienes imprimían su propio sello para darle ese sonido tan distintivo a Oasis, por ejemplo, Noel, guitarrista principal y compositor de las letras, tiene su principal contribución con sus guitarras saturadas y psicodélicas, y su lirica refleja sus preocupaciones y ansiedades, que son magistralmente interpretadas con esa voz casi nasal de Liam.

Sin duda alguna, Definitely Maybe es un clásico de la música inglesa, puesto que refleja a cualquier generación, y puso en el mapa a Oasis y los convirtió mas tarde en el principal grupo de la oleada del BritPop.

NOTA: Las primeras ediciones solo contenían 11 canciones, posteriormente se lanzo como sencillo “Whatever”, y debido a su popularidad, se decidió incluirlo en subsecuentes ediciones del disco.

BJÖRK – DEBUT

El titulo de este álbum, es irónico ya que Björk en 1993, ya contaba con amplia experiencia, lanzando su primer álbum solista en 1977 a la edad de 11 años, y durante la década de los 80’s formó parte de esa gran banda de culto “The Sugarcubes”, por lo tanto, para este disco comenzó a experimentar como nunca antes, logrando uno de los mejores discos de la historia.

Björk explora en Debut, diversos paisajes sónicos y las atmósferas creadas gracias a la ayuda del productor Nellee Hooper son únicas, además que, el territorio musical es tan diverso y basto, que va y viene entre la música electrónica, pop, sonidos orientales, dance, house, trip hop y un sinfín de géneros que a pesar ser tan amplio, logra crear y establecer un inigualable sello, puesto que su voz e inteligencia ayudan para tal diversificación, auxiliándose en una amplia variedad de instrumentos ya sean de viento, secciones de cuerdas, percusiones, entre otros tantos que le dan ese toque de único a Debut.

Este es el trabajo más bello de Björk, consiguiendo canciones tan románticas como “Like Someone In Love”, que a ritmo de arpa expresa sus más profundos sentimientos, o por ejemplo, “The Anchor Song”, muestra las cualidades de la cantante islandesa para crear ambientes con su voz solitaria en medio del océano; también aquí se incluyen canciones icónicas como “Venus As A Boy”, incluida en el soundtrack de la película de Luc Besson, The Proffesional, en la que participa en la instrumentación el productor de ascendencia hindú, Talvin Singh y, “Big Time Sensuality”, sin mencionar las que pueden ser himnos en las pistas de baile como “There’s More To Life Than This” y “Violently Happy” o las hermosas “One Day” y “Come to Me”, en las que nuevamente destacan las contribuciones de Singh.

Y a partir de ese momento, Björk no solo se concentró en hacer música de altísima calidad, sino que en el mundo de los videos, también sorprendió utilizando a grandes directores para su promoción como lo son Stéphane Sednaoui, Sophie Muller, Jean-Baptiste Mondino y el genial Michel Gondry.

De este álbum, se puede hablar muchísimo, pero es cierto que en su momento sorprendió al mundo y hoy en día sigue estando tan fresco y vigente, como en el lejano año de 1993; además que esta placa anunciaba que habría demasiado que ofrecer y explorar en el futuro de parte de la islandesa.

NOTA: Las primeras ediciones del disco contienen 11 canciones, posteriormente se agregó como Bonus Track “Play Dead”, que formó parte de la banda sonora de The Young Americans.